• ↓
  • ↑
  • ⇑
 
Записи пользователя: (список заголовков)
11:49 

"Бесприданница"

Интересную рецензию о премьере "Бесприданницы" в театре Петра Фоменко представила на Афише Елена Ковальская. Читаем.

"Бесприданница" Я.Протазанова. Н.Алисова в роли Ларисы
«Мастерская Петра Фоменко» с января живет на два дома: камерные спектакли идут в старом здании, требующие простора — по соседству, в только что построенном на берегу Москвы-реки и похожем на затейливый оползень. В новом здании есть большой зал и есть амфитеатр в фойе, из окон которого открывается вид на мерцающие в темноте башни Сити — архитектурную метафору новой, капитализирующейся Москвы. «Бесприданница», первой вышедшая на новой сцене, — об эпохе, похожей на нынешнюю: семидесятые пореформенные годы, либеральные реформы, промышленный взлет, электричество на улицах. Все в точности по тексту: купцы и фабриканты переобуваются из смазных сапог в ботинки, их пассии сбрасывают платки и нахлобучивают шляпки, они отличают уже бордо от ярославского пойла, ездят в Париж на промышленную выставку. Они хорошо считают деньги, а как они гуляют! От шампанского и перемен головы идут кругом, и за что держаться — непонятно; почва под ногами зыбка, а новые основания жизни — при всей ее внешней цивилизованности — все более смахивают на законы леса.

Петр Фоменко, впрочем, на своевременности пьесы не настаивает. Об этом зрителю должен говорить уже сам факт, что пьесу вывели на сцену. Ни единого движения к современной форме режиссер не совершает, даже напротив: «Бесприданница» полна режиссерских самоповторов и выглядит архаичной даже на фоне старых спектаклей самого Фоменко. Но рассказчиком он остался замечательным: казалось бы, сидят люди двадцать минут на месте, курят и бу-бу-бу, бу-бу-бу. Ну пробегутся по проходам между зрителями, вскрикнут что-то в коридоре, пропоют что-нибудь из другого, старого спектакля. Все это уже видано-перевидано — а внимание держит. Может быть, именно подробностью истории.

Выясняется, к примеру, что Лариса не единственная дочка у Хариты Игнатьевны. Было еще две, одна вышла за порядочного человека — тот оказался авантюристом; вторую взял горец и до дома не довез — прирезал в пути. Приторговывавшая дочками Харита Игнатьевна в свете этих подробностей видится этакой мамашей Кураж, оплатившей свой кусок хлеба жизнью детей. Такой ее и играет Наталья Курдюбова — женщиной богатой выделки, но в сущности — фронтовой маркитанткой.

Есть вещь, которой «Бесприданница» отличается от других спектаклей «Мастерской». Особенно от других постановок Островского — и от вахтанговского спектакля «Без вины виноватые», и от «Волков и овец», сыгранных старшими «фоменками». В «Бесприданнице» играет последнее поколение «Мастерской», и в ней нет комедиантства, лукавства, сообщавших тем пьесам оттенок театральности: мол, «волки», «овцы», жестокие страсти — все это лишь театр, преувеличение. В «Бесприданнице» все всерьез, театральна только Лариса Огудалова.

читать дальше

@темы: Критика, обзоры

16:07 

Мария Бабанова

Источник@



Мария Бабанова (1900–1983), народная артистка СССР. Многие из созданных актрисой ролей стали образцами театрального мастерства, хотя сыграла меньше ролей, чем могла сыграть.

ТЕАТРАЛЬНАЯ ЮНОСТЬ
Родилась 29 октября (11 ноября) 1900. Детство прошло в мещанском Замоскворечье, в размеренной обстановке семьи из рабочей «аристократии», и ничто не предвещало Бабановой ярчайшего театрального пути. Уже в Коммерческом училище (впоследствии Плехановском) многие обратили внимание на белокурую изящную девушку, читающую на концертах стихи и прозу необыкновенно глубоким, поющим голосом.

Время, совпавшее с юностью Бабановой, изменяло многие судьбы. Атмосфера театральной игры, бурный расцвет всевозможных сценических направлений в первое послереволюционное десятилетие помогли многим молодым талантам найти себя. Время творческих исканий и открытий определило и ее судьбу. Бабанова окончила театральную студию под руководством Ф.Ф.Комисаржевского, брата Веры Комиссаржевской. Установки студии полностью соответствовали веяниям времени: «Наступает пора рождения нового актера, актера универсального, одновременно и певца, и танцора, и драматического лицедея, актера более развитого, культурного, но все же подобного тем лицедеям, которые были в театре до разделения единого театрального искусства на отдельные отрасли. Когда явится такой актер, тогда будет и настоящий театр, театр единый, театр богатый, располагающий свободно всеми сценическими изобразительными средствами». Бабанова вспоминала, что в студии она «научилась немногому, но если там не учили многим полезным вещам, то не учили и вредным. Ритмика, акробатика, фехтование, даже станок – тогда было новым, вызывавшим непонимание и нападки». Энергичная, пластичная Бабанова как нельзя лучше соответствовала новому, левому театральному направлению.

После эмиграции Ф.Комиссаржевского в Англию, здание студии было отдано Театру РСФСР 1 (позже театр Мейерхольда). При нем были созданы Государственные высшие режиссерские мастерские. Здесь пересеклись пути Мейерхольда и начинающей актрисы. Вся последующая театральная жизнь Бабановой будет связана со сценическим мастерством, начало которому было положено именно на подмостках Мастерских.

Применительно к Бабановой часто употребляется такое понятие, как «врожденное мастерство». Мейерхольд проницательно отметил на экзамене художественную завершенность юной соискательницы: «Учить ее, пожалуй, нечему, да и вряд ли возможно». Эта точная оценка во многом объясняет последующий разрыв с Мастером в конце 1920-х.

Первая роль Бабановой – Стелла в Великодушном рогоносце (1922) Ф.Кроммелинка на сцене Мастерских сделала ее не только знаменитостью, но и символом левого театра. Это был новый вид театрального действия, утверждающего конструктивный подход к жизни, где вместо иллюзии – «прозодежда» и станки, а вместо «переживания» – биомеханика, суть которой в приоритете движения над эмоцией, а точного жеста над словом. Блистательная акробатика мизансцен режиссера, где вместо «атмосферы» – культ театральной игры – слагаемые, составившие главные «университеты» Бабановой, основы ее техники. Никакой психологии, никаких раздумий актера над глубинами образа постановка Рогоносца не предполагала. Рождался гимн свободной игре, человеческому раскрепощению, радости движения; происходила своего рода демонстрация возможностей нового чистого человека, порвавшего со старым миром собственнических страстей.


В ТЕАТРЕ ИМЕНИ МЕЙЕРХОЛЬДА
Первая же роль выявила противоречие постановок Мастера с индивидуальностью Бабановой. Лиризм, неотъемлемое качество актрисы, проступал, несмотря на ее полное подчинение воле режиссера. «Мейерхольд дал идею, дал форму. Она сразу заполнила ее своим громадным, нерассуждающим даром, своей личностью», – писала впоследствии критик М.И.Туровская. Детская чистота, искренняя эмоциональная непосредственность Стеллы в исполнении Бабановой придали спектаклю тот особый человеческий объем, который не входил в задачу постановки. Зрители стали «ходить на Бабанову», начиная со Стеллы, и продолжали ходить на нее в Театр им.Мейерхольда (Гостиме), хотя в течение пяти лет роли у нее были эпизодические, почти без слов.

читать дальше

@темы: Актеры

16:10 

Ирина Пегова

Нравится мне эта актриса, поэтому, несмотря на то, что интервью старое (2003 год), и она сама уже в студии Фоменко не играет, все равно выкладываю.

Источник@



"Она подошла к расписанию репетиций, встала на цыпочки, прищурилась и сказала: «Завтра после трех я свободна». Молодая актриса «Мастерской Петра Фоменко» Ирина Пегова, по которой осенью сойдет с ума мужское население России, назначила встречу легко. Попасть на спектакли в крохотные залы «Мастерской» и оценить свежее пополнение знаменитой труппы совсем непросто, а осенью в кинотеатрах пойдет фильм Алексея Учителя «Прогулка», где Пегова и другие актеры «Мастерской» сыграли главные роли, а Гришковец попал в эпизод. Пегова там — сверхновая звезда, девушка нашего времени, непредсказуемый типаж. «Чумовая девушка, никому не известная Ирина Пегова», — назвал Ирину какой-то кинокритик. И соврал. Уже известная.
Зрение минус шесть. Синие глаза. Русые волосы до попы. Сама невеличка. Бюст зашкаливающего для такого роста размера, и эту деталь не скрыть. Грудной смех и высокие башмаки, чтобы хоть куда-нибудь дотягиваться.
В августе начались съемки фильма Алексея Учителя по сценарию Александра Миндадзе «Космос как предчувствие», где главную женскую роль играет Пегова, а главную мужскую — Евгений Миронов. Похоже, Учитель не шутил, когда сказал, что готов снимать фоменковских актеров бесконечно — первым опытом стала «Мания Жизели» с Галиной Тюниной в роли балерины Ольги Спесивцевой, за ней последовал «Дневник его жены». Всего восемь лет назад Ирина Пегова жила в провинциальном городе Выкса и в деревне Тупик на границе Рязанской и Нижегородской областей, никогда не была в театре, зато ходила в лес за ягодами и мечтала петь, как Эдит Пиаф. Она теперь поет — в спектаклях лучшего камерного театра Москвы.
Пять ролей в «Мастерской» — Егоровна в «Одной абсолютно счастливой деревне», княгиня Елизавета Болконская и Соня в «Войне и мире» в очередь с Ксенией Кутеповой, Ирма в «Безумной из Шайо», Бабушка в «Белых ночах».
Один мудрый человек сказал: три условия, три принципа необходимы для духовного развития: большие цели, большие препятствия и большие примеры. У Ирины Пеговой — полный боевой комплект.

читать дальше

@темы: Интервью

15:57 

Занятная старая реклама (1905 год)

Источник@

Концерт Аделины Патти



После пятилетних стараний нам удалось убедить госпожу АДЕЛИНУ ПАТТИ, эту незабываемую божественную певицу, что мы сумеем передать будущим поколениям ее голос таким как он есть. Она долго в этом сомневалась, но наконец наши старания увенчались полным успехом и ныне каждый, за сравнительно довольно недорогую цену, может у себя дома устроить концерт с участием величайшей певицы мира АДЕЛИНЫ ПАТТИ.

Нижеследующее письмо, в переводе, выражает полное согласие госпожи ПАТТИ, чтобы будущие поколения судили об артистических качествах ее голоса при посредстве граммофона.

Замок Крайг-и-Нос
Бреконшайр
Южный Валлис
30-го декабря 1905 г

Акционерному обществу «Граммофон»

Милостивые государи!
Я нахожу нынешние граммофоны настолько усовершенствованным инструментом для воспроизведения человеческого голоса, сравнительно со старыми аппаратами, что мое нежелание дать возможность услышать мой голос тем тысячам людей, которые его еще не слышали, - совершенно исчезло, и изготовленные Вами недавно для меня пластинки являются, насколько мне кажется, верным воспроизведением моего голоса.

Аделина Патти-Седерщтрем.

Нижепоименованные 14 пластинок выйдут в свет 25-го февраля и можно слушать в нижеуказанных отделениях и у наших представителей <...>

Цена пластинки 10 руб.

Акционерное общество ГРАММОФОН

МОСКВА, Тверская, Саввиновское подв. С-ПЕТЕРБУРГ, Морская, №49

Представительства во всех городах России

@темы: История

15:26 

Постановка "Бесприданницы" в студии П.Фоменко

Глеб Ситковский
«Газета», 9-01-2008



"По правилам хорошего вкуса"


За тот недолгий срок, что существует «Мастерская П. Фоменко», театр успел и побродяжничать, и поскитаться по чужим углам, и поютиться в тесном, на скорую руку перестроенном здании бывшего кинотеатра «Киев». Но вот наконец жилищный вопрос решен — «фоменки» вселились в новый дом, который стоит на набережной Москвы-реки, дверь в дверь к старому. Верится, что им здесь заживется хорошо: в новом здании есть и вольготность, и уют, и удобство. Много света, соразмерный зал, большая река под боком и впечатляющий урбанистический вид на «Москву-Сити».

Свою новую жизнь театр начал премьерой — «Бесприданницей» Островского в постановке Петра Фоменко, спектаклем, о котором можно говорить только в уважительных интонациях.

Почти все спектакли Фоменко и «фоменок» обладали удивительным свойством — умением влюблять в себя. Но в своем новом спектакле Петр Фоменко, кажется, сознательно отказался от того, чтобы очаровывать зрительный зал. Новая «Бесприданница» не влюбляет зрителя, а лишь вселяет в него уважение к зрелому мастерству. Этого уважения так много, что даже к названию театра, выбитому на новом здании, так и тянет дописать лишнее словцо — «академический». Московский академический театр «Мастерская П. Фоменко».

Академизм этого спектакля, впрочем, не мертвый и не замшелый, а вольно дышащий и подпитывающийся классической традицией. Эта «Бесприданница» вся насквозь графичная, мастерски использующая приемы теневого театра. Порой может показаться, что сочетания силуэтов и музыкальная созвучность голосов волновали мэтра больше, чем открытие новых смыслов в пьесе.

Этот спектакль весь пропах дорогим ароматным табаком, обонять который приятно даже некурильщику. Богатые просвещенные купцы пробуют на вкус изысканные сигары, а утонченная Харита Игнатьевна (Наталия Курдюбова) кончиками пальцев удерживает на излете папироску. Кажется, Петр Фоменко ставил спектакль про людей с хорошим вкусом — про тех, кто ценит дорогие вещи, хорошую кухню и вообще истинную красоту, в том числе и женскую. Нелепый Карандышев (Евгений Цыганов) потому-то и вызывает у всех усмешку, смешанную с пренебрежением, что во всем прет против правил хорошего вкуса. Он нелеп и безвкусен даже в своем крике «Не доставайся ж ты никому!» и выстреле в грудь Ларисы Огудаловой. И почему-то кажется, такой спектакль можно было бы завершить финальной фразой из ибсеновской «Гедды Габлер»: «Но боже милосердный… Ведь так не делают!» Еще сильнее спектакль Петра Фоменко, как ни странно, напоминает о другой пьесе Генрика Ибсена, которая была написана всего на год позже, чем «Бесприданница» Островского, — «Нора» (1879). Всей-то разницы, что Лариса Огудалова с отчаянием называет себя дорогой вещью в руках мужчин, которым взбрело в голову позабавиться, а Нора Хельмер — куклой, забавляющей своего мужа.

Заглавную роль в спектакле Петра Фоменко сыграла Полина Агуреева, и в ее игре действительно присутствует магнетизм, объясняющий, почему мужчины готовы назначить столь высокую цену за удовольствие побыть в ее обществе. За сцену, когда Лариса поет «Бродягу», можно выложить хоть целое состояние. В свою очередь Паратов (Илья Любимов) решен здесь как богемный красавец с рокочущим голосом, против которого практически невозможно устоять.

Безвкусица не допущена ни в чем, даже в появлении цыганского табора, хотя, уж казалось бы, цыганщина и пошлость у нас давно почти синонимы. Фоменко же сделал своих цыганок старыми ведьмами с прокуренными голосами и цветастыми платками — они со стороны наблюдают за происходящим, и их тени то и дело вырисовываются на прозрачном заднике. Словом, с какой стороны ни подберись к спектаклю Петра Фоменко — это вполне гармоничная работа, ни в чем не противоречащая правилам хорошего вкуса. Но почему же порой так скучно в зале? Куда утекает актерская энергия? Неужели все дело в том, что спектакль сырой, а еще в том, что на премьере он шел три с половиной часа вместо заявленных в программке трех? Хотелось бы верить, что именно в этом и что в будущем спектакль «Бесприданница» можно будет назвать не только академичным, но еще и живым.

@темы: Критика, обзоры

14:58 

«Таких режиссеров надо поджидать с автоматами»

Источник@


Галину Вишневскую можно, с полным на то основанием, назвать «Женщиной года». Накануне новогодних праздников с Галиной Павловной встретился корреспондент «Парка культуры».
Весь год о Вишневской говорили в СМИ – слишком много случилось событий, так или иначе связанных с ней – смерть Ростроповича, продажа коллекции, блестящий актерский дебют певицы в «Александре» у Сокурова. Недавно Галина Павловна была удостоена Почетного звания «Сталкер» на одноименном кинофестивале – «Зa гражданскую позицию, принципиальность и вклад в развитие искусства», стала Почетным доктором Московского университета. Но главное для Вишневской – юбилей Центра оперного пения, который ее усилиями открылся в Москве пять лет назад.

– Галина Павловна, в вашем Центре учатся выпускники консерваторий. Чего не оперный певец не получает в консерватории?

– В Центре ведется другая работа. У меня учатся тридцать пять человек. С ними работают шесть педагогов по вокалу. Десять концертмейстеров. Дирижер. На спектакли приглашаем режиссеров. У нас преподают три языка. Есть урок дикции – больше такого нет нигде. И у нас есть сцена. И оркестровая яма – мы приглашаем оркестр, и репетируй, сколько хочешь. Хоть ночью репетируй, потому что мы ни от кого не зависим. В «Царской невесте», «Руслане и Людмиле», «Фаусте», «Риголетто», «Иоланте» студенты выходят в первых партиях. А в театре кто их возьмет на первые партии? И кто с ними будет работать? Там задачи другие. Там надо продукт выдавать – петь. А здесь они учатся петь в театре.

У нас всегда полный зал и есть своя публика. Но считаю неправильным то, что к нам относятся, как к театру, забывая, что мы – учебное заведение. У этого места другое назначение. Не делать какие-то открытия в искусстве постановки оперы, а, прежде всего, научить петь и держать себя на сцене. Первый год студенты «освобождают» голос и учат репертуар. Только на второй год выходят на сцену. Потом – уходят, приходят новые. У нас артист не растет постепенно десять лет, как это происходит в театре. Я вижу, что двух лет не хватает. Мы сейчас думаем продлить срок обучения до трех лет.

– А бывают ли нерадивые оперные студенты?

– Бывают. Бывает, что отчисляем, даже с хорошим голосом.

– Чего не хватает?

– Головы.

– В смысле: трудолюбия?

– Нельзя научить, можно научиться. Не только педагог вам должен дать. Я всем даю одно и тоже, один берет, другой – нет. Голос – это ведь еще и эстетическое ощущение в себе. У нас же перед глазами нет клавиатуры или смычка. У нас все в себе. Кто как себя ощущает, кто как себя слышит. Кто какие цели себе поставил в жизни.

– Как бы вы охарактеризовали сегодняшнее состояние оперы в России и в мире?

– Режиссеры сознательно убивают оперный театр. Вот и вся характеристика. И театральные режиссеры, и те, кто имеет музыкальное образование. Режиссеры лишают оперное искусство того, для чего оно предназначено. Опера – это пение и ничего больше. Никогда из этого не возникнет драматического театра, и не надо пытаться. Хотите смотреть драму – идите в драму. А здесь люди поют! Если в драме режиссер может по своему усмотрению делать паузы, менять темп и так далее, то в опере все написано! Вот поет Гремин пять-десять минут «Любви-и-и-и все во-о-зрасты поко-о-рны» – тянет бесконечно – может быть, это кому-то скучно, но так написано гением! Не ходите в оперный театр, если он вам не нравится! Это сделано не для вас и не вами. Почему Моне Лизе никто не пытается чего-нибудь пририсовать? Может, вариант Леонардо да Винчи сегодня кому-то надоел, так давайте пририсуем ей бороду! Вот в Германии поставили «Риголетто» из жизни обезьян. Джильда поет вся в шерсти. А Бадри Майсурадзе в барселонской постановке «Бала-маскарада» Верди должен был исполнять свою арию, сидя на унитазе, – отказался. Таких режиссеров надо возле оперных театров поджидать с автоматами. Кроме того, дирижеры сегодня в оперных театрах – для симфонических оркестров; они не знают, что такое работать с певцом. Выучил партию – и на сцену. А ведь выучить партию – даже не первая буква в алфавите.

читать дальше

@темы: Интервью

13:27 

Произведения Гоголя на театральных подмостках


Н.В. Гоголя ставили на сцене и современники и потомки. О том, какие были постановки, находки и неудачи, как относились к этим спектаклям зрители, актеры и режиссеры, можно увидеть на сайте, посвященном ему и его произведениям.

На страницах сайта можно прочитать следующие рецензии:

-Гимназисты играют Гоголя/М.В. Юнисов
-Заумный "Ревизор" Терентьева/Ж. Деполь
-"Ревизор" на сцене/С.Е Фролова
-Михаил Чехов - Хлестаков (Заметки на полях "Ревизора";)/Ю.В. Манн
-Мейерхольдовский "Ревизор" в аспекте театральной традиции
-По поводу "Ревизора"/В. Ходасевич
-Повесть Н.В. Гоголя «Тарас Бульба» (из истории сценических интерпретаций)/И.А. Виноградов
-«Ревизор» в Праге / Л.П. Солнцева
-Гоголь в музыкальной афише Москвы на рубеже тысячелетий / А.Б. Грибкова
-Опера «Записки сумасшедшего» Ю. Буцко / И. В. Кривошеева

Если покопаться, то также можно найти много интересной информации по гоголевской "околотеатральной" тематике.

@темы: Критика обзоры

16:21 

Барбара Брыльска

Источник@

БАРБАРУ БРЫЛЬСКУ в России уже давно воспринимают не как актрису из дальнего зарубежья, а как милую девушку Надю из кинофильма «Ирония судьбы, или С легким паром», в компании с которой вот уже почти 30 лет мы встречаем Новый год. Но теперь Барбаре придется в буквальном смысле слова жить между Москвой и Варшавой — в столице России состоялась премьера спектакля «Квартет», где Брыльска играет одну из главных ролей.

БАРБАРА честно призналась, что решение участвовать в этой постановке она приняла с трудом. Во-первых, это ее дебют на театральной сцене, а пробовать что-то новое всегда страшно. А во-вторых…

— Работая над этим спектаклем, я впервые начала думать о старости, — говорит актриса. — А о старости думать не надо — она придет сама. Потому что старость — это ужас!

— Госпожа Брыльска, психологи говорят, что всех людей можно разделить на две группы. Одни считают, что все лучшее у них уже было, они всегда смотрят назад, вспоминая прошлые годы. Другие думают, что все лучшее еще впереди, и смотрят только вперед. Вы к какой группе относитесь?

— Я смотрю на сегодняшний день и стараюсь не забегать дальше будущей недели. Иногда думаю о прошлом. Это не очень веселые мысли, признаюсь (смеется). Прошлое очень часто больно бьет по душе, по нервам. Так что я приучила себя жить тем, что имею сейчас.

«Не люблю себя предлагать»

— БАРБАРА, скажите, изменилось ли сейчас в Польше отношение к русским? Ведь было время, когда у вас на родине русских очень не любили.

— И до сих пор не любят. В негативном отношении поляков к русским виновата прежде всего политика. Ведь проблемы-то все начались после войны, когда русские войска вновь вошли в Польшу — уже не в качестве освободителей, а чтобы навести здесь свои порядки. И нам все время врали, пытаясь представить события тех лет в ином свете, — учителя в школе, политики в своих выступлениях. Мой отец тогда не решился сказать мне правду, хотя и знал, как все обстоит на самом деле. Не сказал просто потому, что боялся, вдруг я проговорюсь случайно… Ведь за эту правду нас тогда жестоко карали.

Я думаю, что отношения между поляками и русскими будут становиться лучше и лучше — я абсолютно верю в это.

— Ваша безумная популярность в СССР пошла на пользу вашей артистической карьере? Или в Польше вас ревновали?

— Конечно, ревновали. Ревновали за то, что я приняла Государственную премию СССР за роль в «Иронии судьбы…», за то, что у меня есть связи в СССР. Они не знают, что, имея подобную славу, я могла себе позволить давать очень жесткие интервью, в которых откровенно говорила о том, что мне не нравится. Любой русский побоялся бы произнести подобные вещи вслух. Но поляки, естественно, эти интервью не читали — они лишь знали, что я часто бываю в СССР и что меня здесь очень любят зрители.

Кстати, ваша Госпремия положила конец моей работе на родине — я в основном стала работать за границей: в Германии, Чехословакии, Болгарии, России. В Польше мне почти не давали ролей, я постепенно выпала из этого артистического круга.

читать дальше


@темы: Интервью

19:20 

Et Cetera

Источник@

Новое здание театра Et Cetera в центре Москвы переворачивает традиционные представления о театре, как о чём-то обязательно классическом и торжественном. По словам Александра Калягина, художественного руководителя театра, «главное устремление театра заключается в развитии и умении сочетать разные театральные направления, стили, школы», поэтому в «новом доме» для известного театрального коллектива хотелось воплотить принцип многообразия, принцип «et cetera».




Техническое задание, полученное архитектурным бюро «А. Левинсон и партнёры», действительно было сложным - с одной стороны, требовалось сохранить камерную обстановку, свойственную этому театру, с другой - создать праздничный и многоликий театральный интерьер, а с третьей -- учесть особенности театрального помещения и наличие осветительного и инженерного оборудования.

В театре нет ни одной одинаковой детали. Даже окна - казалось бы, стандартный конструктивный элемент - на всех этажах имеют разную форму: круга, прямоугольника, квадрата. Но при таком разнообразии архитекторам удалось избежать стилевого «салата» и подчинить все помещения единой гармонии. Например, чайная комната в фойе как будто скопирована с английского сигарного клуба со своей мебелью в стиле «чипендейл» и полосатыми обоями. Но стоит выйти из неё, и взгляду предстают белые колонны, хрустальные светильники с подвесками, деревянные панели на стенах, витиеватая ковка лестниц.

В кулуарах стилистика и цвет меняются от помещения к помещению, на лестницах - от этажа к этажу, в результате получилась интерьерная мозаика, собранная из разных кусочков и «кричащая» из-за каждого угла по-разному. Например, на одной лестнице вас встречает розовый цвет, на другой -оливковый в полоску. Большое число различных помещений повлияло на использование практически всей цветовой шкалы мягких оттенков, как то: бежевый, оливковый, бледно-розовый, бледно-салатовый etc.




Эклектичный зрительный зал удалось выполнить в трёхцветной гамме, использовав бежевый, тёмно-бежевый и бордовый цвета. По образу - это бежевая скорлупа, которая, «прорываясь» на полу, на сцене и в ложах, становится бордовой.

Кстати, о ложах этого театра надо сказать отдельно. Их всего девять. Каждая имеет своё название из мира театра: ложа Тартюфа, Митрофанушки, Фальстафа и т. д. И, наконец, центральная ложа для особо важных гостей называется ложей Годо.

Тёмно-бордовым же сделали театральный занавес, который специально для театра Et Cetera придумал известный питерский художник академик Эдуард Кочергин. Для занавеса была соткана уникальная ткань с рисунком на тему «еt сetera», в котором множество раз повторяются буквы ETC. Это, вероятно, единственный театр в Москве, где зрительный зал заполняют разномастные кресла. Александр Калягин хотел, чтобы кресла были разными, но богато оформленными. Единственным производителем, который не побоялся взяться за выполнение этого заказа, стала итальянская фабрика Angelo Cappellini.





В отделке помещений пришлось преодолевать все сложности, которые только можно было представить. Сложная инженерия и технология зала заставила прибегнуть к невероятным ухищрениям. Всё приходилось прятать, закрывать, огораживать так, чтобы в интерьере невозможно было заметить акустические колонки, вентиляционные короба, трубы, отопительные системы. Например, над порталом сцены со стороны зрительного зала установлены мощнейшие акустические колонки. C эстетической точки зрения идеально было их скрыть, но таким образом, чтобы не пострадала акустика, поэтому соорудили портальный козырёк, затянутый звукопроницаемыми банерами. Приток и вытяжка в общественных зонах были убраны с потолка на стены и задекорированы деревянными резными решётками. Отделочные материалы имеют бесконечные вариации - от мрамора, гипса, ковки и дерева до коммерческого покрытия Orac Dеcor и потолочной отделки в форме ячеек «Грильято».




Все светильники в театре сделаны по авторским эскизам архитектурного бюро «А. Левинсон и партнёры». При входе зрителей встречает стеклянная люстра-шар, зрительный зал освещается огромной хрустальной люстрой, которая опускается до спинок кресел, хрустальные светильники и бра являются дополнительным источником света.Благодаря творческой фантазии Александра Калягина и дизайнерскому воплощению архитектурного бюро, интерьер театра Et Cetera получился живым, объёмным, обладающим яркой индивидуальностью.

@темы: Декорации/эскизы

16:07 

«Лебединое озеро»... черное и белое

Источник@
Источник@@


Один из самых востребованных fashion-фотографов столицы Владимир Глынин представил свой первый авторский арт-проект, в котором рассказал черно-белую историю «Лебединого озера».

Накануне же в стенах галереи ArtAngar на территории бывшего завода «АРМА» состоялся закрытый показ для прессы и гостей виновника торжества. Вообще сейчас это очень модно – устраивать галереи и выставочные залы на месте заброшенных промышленных построек.




Владимир Глынин



Знаменитый во всем мире балет «Лебединое озеро» был выбран Владимиром Глыниным сознательно. Ведь автор на протяжении десяти лет сам танцевал на сцене легендарного Большого театра. Балет – это часть его души, его вдохновение. Фотограф долго искал пути визуализации легендарного сюжета, в котором он нашел большой спектр человеческих чувств и эмоций, сочетающийся с яркими образами главных героев, и который до сих пор никого не оставляет равнодушным. Так родилась идея фотоистории «Лебединого озера», с его невероятным диапазоном отношений между Добром и Злом, Черным и Белым.



Фотография позволяет ярче передать любое событие, пусть даже самое обычное. Пойманное объективом фотокамеры мгновение человеческой жизни - это уже маленький рассказ. Несколько фотографий могут создать целую историю, причем сделать это более красноречиво, чем роман или повесть. А когда балет-легенда сливается воедино с черно-белой фотографией, перед нами уже синтез искусства, фотографии и моды. Каждая фотография этого проекта – самостоятельное законченное произведение, с определенной, присущей только ей интонацией, но когда они собраны вместе, возникает мощное, полное драматизма художественное полотно.



Владимир Глынин



Подготовка к съемкам шла долго, больше месяца. Зато сам проект был осуществлен всего за один день. Фотографом было сделано около тысячи кадров, но только тридцать из них были отобраны, чтобы вместе составить единую и яркую историю. Бесспорно, что в одиночку осуществить мечту Владимиру Глынину было бы довольно трудно. Его команда – это люди, с которыми он работал вместе уже давно. Героями проекта стали ведущие солисты Большого театра Сергей Филин и Артем Шпилевский, модель Светлана Шестакова воплотила образ Одетты-Одиллии.


Екатерина Денкер


@темы: Балет

13:51 

На Новой сцене МХАТ появились «Старосветские помещики»

Время новостей/Марина Давыдова/9.10.07

Недавний выпускник курса Петра Фоменко Миндаугас Карбаускис в начале сезона весьма удачно поставил в «Табакерке» малоизвестную одноактовку Торнтона Уайлдера «Долгий рождественский обед». Воодушевленный этим дебютом, Олег Табаков выделил ему от своих щедрот еще более престижную площадку — Новую сцену МХАТ. Здесь молодой режиссер взялся за Гоголя.

Между русским и американским классиками трудно обнаружить хоть что-то общее, но Карбаускис обнаружил. Его мхатовская премьера окутана той же тихой, безысходной грустью, что царила в спектакле по Уайлдеру. Изменился лишь антураж. Провинциальная Америка превратилась в малороссийскую глубинку, а бесконечно плодящиеся и размножающиеся герои «Рождественского обеда» — в бездетных Пульхерию Ивановну и Афанасия Ивановича. Никаких из ряда вон выходящих событий в обоих спектаклях не происходит.
Кроме единственного и последнего — смерти. У Уайлдера это обстоятельство становится внешним сюжетом. Его пьеса — бесконечная череда рождений и умираний. К героям едва успеваешь привыкнуть, а они уже уходят в небытие, и этот естественный ход вещей пугает именно своей естественностью — против него невозможно восстать. У Гоголя все иначе. Не смерть как таковая страшит автора, но исчезновение бесхитростного и благостного мира с его укладом, нравами, привязанностями.

Далее >>>


@темы: Критика обзоры

16:32 

Сенсационное открытие сотрудников Театра Образцова

В Музее Театра им. Сергея Образцова обнаружен домашний кукольный театр, принадлежавший детям императора Николая II, с куклами, сделанными по заказу в Париже.

Музейщики не сомневаются в подлинности находки - театр «Гиньоле» действительно стоял в игровой комнате цесаревича Алексея - об этом свидетельствует надпись на ширме. К тому же, внутри некоторых персонажей нашли схемы царского лазарета, бумагу, очевидно, использовали тогда, чтобы закрепить кукол на руке.

Реставратор Театра имени Образцова Александр Лигусов был первым, кто сделал открытие, изучив записи на деревянной раме. И тут же стал перечитывать дневники членов царской семьи и искать фотографии.

Театр был сделан в Париже, действующие лица - Капрал, Невеста, Полишинель - герои классического французского уличного театра. Музейщики уверяют, что дети императора разыгрывали с куклами сценки из жизни семьи. Но обязательно - по всем законам французского кукольного искусства.

Дату, когда точно был сделан театр, историки пока не знают. Возможно, деревянную сцену и кукол заказали для дочерей Николая Второго, а потом, как это принято во многих семьях, игрушка перешла самому младшему цесаревичу Алексею.

Больше шестидесяти лет ширма вместе с куклами стояла в музее рядом с другими сказочными персонажами Англии и Италии. Теперь - после сенсационного открытия - для императорского кукольного театра выделят новое место, и, возможно, придумают специальную экскурсию.

Источник@

@темы: История, Новости

15:37 

Театр Et Cetera первым в Москве начинает продажу АБОНЕМЕНТОВ на свои спектакли

Покупая абонемент, Вы приобретаете гарантированное право на посещение спектаклей театра в течение всего сезона за меньшую цену. Все программы абонементов включают премьеру. Цены - от 400 до 2000 рублей за 4 или 5 спектаклей в зависимости от вида абонемента и выбранного ценового пояса.
Подробности - на сайте театра Et Cetera.

Источник@


@темы: Новости

13:07 

Октябрь, 08-14.

Краткий тв-задел на неделю:

Культура

Программа "Театральная летопись" с пн по чт будет рассказывать о Зинаиде Шарко (20.50-21.20).

10.10 - в передаче "Легенды и явления культуры Америки" поведают о Театре Олби.
11.10 - обсуждение премьеры новой постановки "Пиковой дамы" в Большом театре.
13.10 - "Родственные души не растут на деревьях" - о дружбе Чайковского и Грига.
14.10 - показ оперы "Кармен" в постановке Франко Дзефирелли. Арена ди Верона, 2003.

Честно говоря, скудновато.:upset:


@темы: Театр+ТВ

10:23 

Открытие сезона в Новой Опере

Московский театр Новая Опера им. Е.В. Колобова открывает XVII театральный сезон. Репертуарные планы - от Моцарта до джаза.

Новый сезон в Новой Опере пройдет под знаком Рихарда Вагнера. Премьера романтической оперы «Лоэнгрин» в интерпретации постановщиков Датской Королевской Оперы – режиссера Каспера Хольтена и художника Штеффена Арфинга – состоится в марте 2008 года.

Во второй половине января уже в четвертый раз в стенах театра пройдет музыкальный фестиваль «Крещенская неделя в Новой Опере», во время которого состоятся премьерные акции и выступления зарубежных музыкантов: Реквием Г.Форе (дирижер Эри Клас), концертное исполнение оперы Рихарда Штрауса «Саломея». Традиционно во время «Крещенских Недель» звучит Реквием Дж.Верди в интерпретации известных дирижеров современности; в этом году за пультом – голландский маэстро Отто Тауск. После многолетнего перерыва на сцене театра вновь прозвучит опера А.Каталани «Валли» (концертное исполнение, дирижер Анатолий Гусь). Впервые в России будет исполнена симфоническая фантазия «Тристан и Изольда – оркестровые страсти», созданная голландским музыкантом, композитором и аранжировщиком Хенком де Влиегером на темы оперы Р.Вагнера (дирижер Эри Клас).

Во время фестиваля будет показана опера-танго непревзойденного Астора Пьяццолы «Мария из Буэнос-Айреса» в исполнении эстонских и испанских музыкантов. В финале фестиваля – необычный вечер для поклонников классического балета и джазовой музыки. Идея концертной программы «BALLET@JAZZ» принадлежит Антти Сарпиле, известному финскому джазмену и аранжировщику, полюбившемуся московским слушателям по программе «OPERA@JAZZ». Оппонировать ему в шутливом концерте-дуэли будут не только оркестр Новой Оперы и Государственный камерный оркестр джазовой музыки им. Олега Лундстрема, но и артисты известной балетной труппы.


@темы: Анонсы реклама

22:16 

Саломея. Театр Романа Виктюка

Инге любезно разрешила мне дать ссылку на ее впечатления об этом спектакле.
Публикую:

Вот и свершилось то, чего я так ждала.
Я попала на "Саломею" Романа Виктюка.

Это были самые сильные впечатления и эмоции от театра в моей жизни. И вообще - в искусстве я не встречала почти ничего равного по эффектности, красоте и глубине.

Я не театрал, и классический театр я, можно сказать, вообще не люблю. Потому что я наркоман символистски-концептуальных зрелищ, а не простого воспроизводства произведений, пусть даже гениальных. Это модное слово "перформанс", которое сейчас перетягивают на себя, как одеяло, кичливые постмодернисты, на самом деле имеет более глубокие корни, на мой взгляд. Это Акт творения и со-творчества, это глубинное человеческое проявление, почти аморфное воплощение состояния и идеи, разлитой в пространстве.

Сегодня я шла на современный театр, от которого ожидала катарсиса. И он был.
Читать дальше >>>

@темы: Обмен мнениями

15:54 

Не стало Лучано Паваротти

Знаменитый итальянский оперный певец Лучано Паваротти скончался на 72-м году жизни. Об этом сообщило агентство Agr со ссылкой на менеджера певца.

Лучано Паваротти был госпитализирован 8 августа, как сообщили позже – с подозрением на воспаление легких.

25 августа он был выписан из больницы города Модены. Медики сообщали, что состояние певца стабилизировалось и он может быть отпущен домой, передает РИА «Новости». После этого Паваротти находился в домашних условиях под наблюдением врачей.

Утром 5 сентября местные СМИ сообщили, что вице-премьер, министр культуры Италии Франческо Рутелли объявил о присуждении Паваротти специальной премии за огромный вклад в искусство. При этом сообщалось, что тенор выразил признательность за эту награду и сказал, что растроган таким решением официальных властей.

В тот же день появились сообщения о том, что здоровье легендарного оперного певца резко ухудшилось и оценивается как «очень серьезное». По некоторым данным, у него отказали почки. СМИ города Модены сообщали, что певец находится в бессознательном состоянии, но представитель оперной звезды никак не комментировал эту информацию, передает BBC.

Утром 6 сентября великого артиста не стало. В октябре Лучано Паваротти исполнилось бы 72 года. В планах «золотого тенора» была запись нового альбома духовной музыки.

Источник@

@темы: Новости

16:23 

Пьесы современных авторов

Царь Федор Иоаннович. Мейерхольд Наследие.Т.1 М.,1998 г.

На страницах сайта "Страницы московской театральной жизни"
можно ознакомиться с текстами пьес современных авторов.
Авторы обещают публикацию не только пьес русскоязычных авторов,
но и переводы на русский язык современной зарубежной драматургии.

@темы: Литература

16:32 

Л.Бакст - О моде

Разве человеческим одеянием не интересовались другие художники? Например, Леонардо да Винчи. Будучи далек от какого-либо желания сравнить себя с ним, я думаю, что такая вещь, как ежедневный костюм человека, не должен быть безразличен для тех, кто действительно любит искусство. Архитектура, преимущественно в Германии, в своем стремлении внести нечто новое в свое искусство призывает на помощь скульптуру и живопись, чтобы создать ансамбль стиля и полученного от него впечатления.

Вполне логично поэтому, чтобы мужчина или женщина, для которых предназначено такое жилище, должны быть одеты, ради общей гармонии, в тон с тем, что их окружает. Разве артист-художник не призван к тому, чтобы выразить в костюме идеи своей эпохи? Именно в этом-то и состоит моя попытка.Одалиска. Эскиз костюма к хореографической драме Н.А. Римского-Корсакова «Шехерезада», 1910 г

Я пришел к этой мысли, изготовляя рисунки для нового балета «Игры», музыка которого пытается изобразить в звуках идеи будущего (действие происходит в 1925 году).

Желая воплотить мои идеи в действительность, я предложил мой карандаш фирме мадам Пакен, чтобы одеть современную женщину в подходящий для нее костюм. Результаты можно видеть на выставке. Какая наиболее характерная черта нашего века? Такой вопрос я задал сам себе прежде, чем принялся за изображение моего костюма, и пришел к заключению, что это – резвость, стремление к спорту и связанным с ним красивым движениям, выражаясь одним словом – «спортивность».

Вы заметили, наверное, удивительное возрождение нашего века, его склонность к физическим упражнениям и всевозможному спорту. И вот мой костюм неразрывно связан с этим стремлением женщины к свободе в движениях.

Мое платье предназначено главным образом для тех, кто бодр и силен как духом, так и телом. Мне кажется, что я лучше всего выражу мои стремления, если скажу, что хотел изобразить бодро-радостную весну на земле. Если в моих рисунках заметно некоторое возвращение назад, к классицизму, к тому его периоду, когда человеческая раса была наиболее прекрасна и культура наиболее высока, то это потому, что я хотел изобразить как раз именно эти условия человеческой жизни. В моих рисунках вы найдете простоту и прозрачность красок, гармонирующих с прозрачной простотой и бодрящей прелестью весенних дней – по крайней мере, я пытался это изобразить.

Не желая копировать в этом случае прошлое, потому что, по моему мнению, мы и так сверх меры находимся под его влиянием, я порвал с моим собственным прошлым, отказавшись от персидского стиля. Сознаюсь, я положительно устал от него. С того времени, как я ввел этот стиль в русский балет, я стал встречаться с ним повсюду. Даже женщины начали употреблять черноватую пудру, чтобы придать своим лицам колорит Востока.

Тяжелая, чувственная гамма красок была оставлена ради гаммы свободы и света. Я открыл окно в сад, где весна праздновала свой здоровый праздник светлых радостей. Искусственный запах дистиллированной розы уступил место бодрящему запаху возрождающейся природы, почкам и скромным весенним цветам. Я должен заранее предупредить, однако, что на мои рисунки нельзя смотреть, как на нечто законченное и совершившее весь путь своей эволюции. Мы живем в переходное время. Я не хотел учить. Я только желал указать путь, по которому, как мне думается, следует идти. Менее всего мне было бы желательно пугать своими новшествами публику в той области, в которой коммерческие соображения играют не последнюю роль. Я просто хотел отбросить в моих костюмах старый и несколько тяжеловатый стиль и проложить новые пути. Я добился искренности и неусловности. Общий вид платья остается одним и тем же – смотреть ли на него издали или вблизи. Этого, по моему мнению, требует искренность в искусстве. Уже костюмы в балете «Синий бог» в Ковент-Гарденском театре являются переходом от персидского стиля к индусскому.

Костюм женщины будущего. «Биржевые ведомости», 1913, 23 марта.Портрет Иды Рубинштейн, 1921 г.

Парижанки так уж созданы, что все их поражающее на сцене находит себе живой отклик в моде. Только этим я могу объяснить, почему мои постановки так повлияли на постепенное преобразование женского костюма вплоть до цветных причесок. Постоянная жажда новизны заставляет парижанку искать новое для костюма в самых разнообразных эпохах и в самых разнообразных источниках. Знаменитые разрезы на платьях ни что иное, как парафраз более смелых греческих постановок, сделанных три года тому назад в балете Дягилева. Туда же следует отнести и котурны... Синие, зеленые и золотые волосы обязаны происхождением балету «Клеопатра» и трагедии «Пизанелла» Габриэля д'Аннунцио, которые ставились в прошлом году с Идой Рубинштейн в заглавных ролях в парижском театре Шатле. Ида Рубинштейн первая надела цветной (синий) парик в «Клеопатре». Наконец, обошедшие весь мир и утвердившиеся на правах полного гражданства моды на цветные тюрбаны и восточные костюмы идут исключительно от небывалого успеха «Шехерезады». То, что казалось сделанным исключительно для сцены: горячий южный грим, которым я снабдил всех артистов и артисток «Шехерезады», заразил современный Париж, и мы знаем, что парижане разгуливают всюду с лицами, покрашенными в шафранный, коричневый и желтый цвета днем!

О современных модах. «Утро России», 1914, 9 февраля.

...Современная элегантная женщина, чутко следящая и отражающая Моду, – во всех своих линиях, в колорите материи, в прическе, украшениях, манере одеваться, двигаться – есть пластическое воплощение современных господствующих идей. Борьба за равноправие женщины и мужчины создала дневной женский костюм, поразительно схожий с мужским (...).
Но вечерний костюм, где «вечно женственное» берет верх над «мужским началом», – есть апофеоз всего противоположного, всего чуждого мужскому костюму. Здесь вечером возводится в культ – цветная гамма ярких красок, изнеженная, малоскромная складка, чувственная прозрачность отделок; делаются изумительные открытия таинственного влияния цвета на наше настроение, скажу прямо – на психологию мужскую. Вечерний современный костюм я приравнял бы к сражению, решительной битве, которую «вечерняя» женщина преподносит мужчине, отвоевывая всем арсеналом линий и красок поле для будущей неизбежной победы дневной, равноправной женщины.

Мода. «Петербургская газета», 1914, 20 февраля. 

@темы: Литература

16:16 

Предвидение Бакста

Рубеж столетий, конец XIX – начало XX века, время чрезвычайно сложное и противоречивое, в художественной жизни отмечено поисками нового большого стиля, способного воплотить желанную гармонию искусства и действительности. Модерн, ставший таким стилем, акцентировал внимание на проблемах декоративного искусства и создал новый тип художника – универсального мастера, призванного всем своим творчеством создать единую цельную эстетическую среду для человека. Такими художниками были Анри ван де Вельде, Чарльз Макинтош и Йозеф Ольбрих. Эти же тенденции ощущаются и в попытках русских мастеров расширить круг своего творчества – в России начало деятельности такого рода связано прежде всего с объединением «Мир искусства», одним из ярчайших представителей которого был Лев Бакст – разносторонний художник, прославленный театральный декоратор, один из самых интересных деятелей модерна.Автопортрет, 1893 г.

Процесс становления Бакста как художника был сложным и длительным, манера его, складываясь в течение долгого времени, претерпела множество изменений. Он пробовал свои силы в различных жанрах, достиг известности как тонкий рисовальщик, за ним закрепилась репутация признанного портретиста, однако особое, самое важное и неповторимое место в его творчестве занимал театр. Игра и фантазия – черты, столь характерные для искусства перелома веков, неизбежно подводили к театру, где эти качества узаконены и необходимы, где стилизация (играющая значительную роль в творчестве всех мирискусников) и воссоздание забытых эпох обоснованы. Казалось, что именно в театре – области, соединяющей многие искусства, можно достичь единства, синтеза искусств. В представлении человека того времени все пронизано театральностью – жизнь, искусство, театр смыкаются в видении мира как вечной игры.

Именно в театре Бакст полностью «обрел себя», именно здесь пригодились его вкус, образованность, тонкое знание стилей. Он стал центральной фигурой первого периода прославленных «Русских сезонов» Сергея Дягилева, создателем живописного спектакля, в котором роль художника была едва ли не доминирующей, а единство спектакля – преимущественно оптическим. Он был одним из создателей балетов, которые были приняты в Париже с огромным энтузиазмом. Феерическая красочность, магия цвета, страстность и артистичность увлекали и одурманивали зрителя. «Во всем цвела, играла и пела единая буйная живописная стихия. Я помню знаменательный 1909 год и ошеломляющее впечатление новизны, исходившее от всех спектаклей. Париж был подлинно пьян Бакстом», – вспоминал позднее один из критиков. Другой автор призывал на помощь Рембо, чтобы описать красочный алфавит Бакста. Собственно, театральной практикой и порождались все декоративные работы Бакста. Успех Бакста-сценографа, обращавшего необычайно большое внимание на продуманность и декоративность костюмов, побудил владельцев домов мод обратиться к нему с заказами. Таким образом состоялось его знакомство с фирмой Пакен и началась совместная работа с известным диктатором мод Пуаре, положившая начало долгому сотрудничеству этого владельца Дома мод со знаменитыми художниками, среди которых впоследствии оказались Рауль Дюфи, Соня Делоне, Жан-Луи Буссенго.

Жена Потифара. Эскиз костюма к балету Р.Штрауса Позже и сам Бакст, очевидно, собирался открыть нечто подобное такому дому мод: в его бумагах сохранились два проекта договоров о создании мастерских под его художественным руководством. Причем, если в одном из них речь идет о бытовых и театральных костюмах, то в другом проекте задачи ставятся значительно шире: предполагается проектировать, помимо одежды, также украшения, художественное стекло, ткани, мебель и обои.Для России такого рода сфера приложения артистического дарования была в те времена довольно непривычна, и обращение Бакста к моделированию вызвало некоторое недоумение публики по поводу его «странного» и «малопонятного» интереса к столь обыденным вещам, как одежда. «Уже это сочетание художника с законодателем мод должно навести на весьма грустные мысли. Можно ли, например, представить Репина или другого истинного художника в виде галантного кавалера, изготовляющего фасоны дамского наряда по заказу портного?» – недоумевал один из газетных репортеров.Однако сам Бакст весьма серьезно подходит к созданию моделей. Мода для него – великое слово, и он демонстративно пишет его в своих статьях с большой буквы. «Я не стану колебаться при сравнении костюма, созданного настоящим художником, с образцами архитектуры, и буду утверждать, что оба эти искусства обладают идентичными законами. Имеется, однако, исключение, которое разделяет эти два рода искусств – цвет в строении, подобном дворцу или церкви, играет меньшую роль, чем цвет в костюме».

Костюм для Бакста означал несравненно большее, чем просто необходимый утилитарный предмет; для него – и в прошлые времена, и в современности – костюм, если воспользоваться определением Пруста, это «утонченная и одухотворенная форма целого периода цивилизации». «Разве артист-художник не призван к тому, чтобы выразить в костюме идеи своей эпохи?» – спрашивает Бакст в одной из своих статей.Моделирование одежды, как и создание театрального костюма, открывали для Бакста широкие возможности для декоративных экспериментов. Поскольку дома мод обслуживали лишь определенный, весьма узкий круг лиц, то изысканная стилизация, необычность, даже экстравагантность модели считались едва ли не необходимыми ее качествами. Бакст выполняет рисунки для циклов костюмов в «восточном», «индийском», «античном» стилях, часто варьируя собственные находки из балетных постановок (чего, собственно, от него и ожидали); он делает эскизы, в которых переплетаются различные стилевые признаки. Создавая эти, подчас довольно эклектичные, модели, воскрешая тот или иной забытый стиль, Бакст словно чувствует себя режиссером фантастического карнавала, каким представляется ему современная жизнь; не ремесленником-портным, а художником, наделяющим свои творения самостоятельным существованием, скрытым смыслом, тайным языком, пробуждающим ассоциации и воспоминания. «Сложность отделок, лишенных практической цели, видимого смысла, сообщала этим столь живым платьям как бы бескорыстность, задумчивость, сокровенность...

Далее >>>
Художница Софья Дымшиц-Толстая вспоминает, как приехав в Париж, она увидела у консьержки газету с портретом Бакста и спросила, что это за человек. Консьержка «полупрезрительно заметила, что в Париже вряд ли найдется человек, не знающий Бакста, так как он владеет не только театром, но и всеми магазинами: „они полны вещей а lа Бакст“». Эскизы моделей, созданные Бакстом, так же, как и его театральные работы, полностью принадлежат высокому модерну; между тем, созданы они в то время, когда намечались уже новые тенденции, не чувствовать которых не мог и сам Бакст. Впервые он столкнулся с ними при работе над костюмами к балету на музыку К. Дебюсси «Игры», действие которого должно было происходить в 1925 году, то есть почти через десять лет после постановки балета. Постановщик В. Нижинский попытался дать синтез хореографии двадцатого века. «Мы могли бы смело поставить на программе 1930 год – сказал Дягилев. – А спектакль этот был показан в 1913 году, в пору расцвета футуризма».

Далее >>>

Н.Борисовская 

@темы: Художники

Театр: душа, история, искусство

главная